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Tomamos este punto de partida en el sentido del “hacer”, ya sea arte, escuela, comunidad; es el lugar descentrado de pensamiento sobre la voz como primera habitación de la potencia, todavía humana, de (re)creación del mundo; siguiendo a Carlos Skliar (Buenos Aires, 1960) la acción pedagógica promueve un “salir al mundo”, el «mundo de lo múltiple y lo colectivo, de la diferencia».
Cielo Concreto. 2026
Cielo Concreto trata de un conjunto de dispositivos de interlocución donde la voz actúa como zona de germinación: la fosa y la roturación implican operaciones sobre una materia primordial, la tierra, para pensar la muerte, la memoria, el desarraigo y la posibilidad de regeneración, ya no a manera de soporte o escenario sino materia activa, testigo y agente, y el cuerpo (tanto plástico como interactuante) es entendido como parte de procesos más amplios de producción, transformación y coexistencia. Borrar, repetir y (re)nombrar son estrategias para elaborar memorias difíciles y formas de alteridad que desbordan lo humano. La propuesta busca localizarse en el cuerpo mismo de quien participa como cuerpo en obra (casa en cierto sentido), en apertura a una “espectralidad” resonante de las membranas que constituyen las piezas en espacio de encuentro y experimentación –un “co-laboratorio”- donde la textu(r)alidad acoja relatos alternativos y otras maneras de activación poética y micro-política.
En curso. Tesina y muestra final para completar la titulación de la Especialización en Medios y Tecnologías para la Producción Pictórica, Universidad Nacional de las Artes UNA (Buenos Aires).
F/R. 2025
Este trabajo tiene como propósito situar una reflexión sobre las posibilidades poiéticas que se abren en el nodo relacional de la fosa/roturación, como potencia alterativa para un “germen poético” concreto, cifrado en agencias materiales humanas y más-que-humanas. Es una inquietancia de procesos artísticos para-archivísticos pensados en clave “tierra” con y para la lengua, una lengua temporo-espacial y textu(r)al, con la mirada en sus dimensiones pedagógica, erótica, política, arqueológica (niveles de relaciones de la económica configuradas dentro de la Estética de la Liberación de Enrique Dussel), y actualizada en la visión del mundo ch’ixi para encompasar una teoría del valor desde los postulados de Silvia Rivera Cusicanqui. Perspectivas eco-póstumo-testimoniales son el pretexto para explorar los horizontes de la palabra/texto/voz anudada a un suelo-testigo y enfocada en el acto poiético y micropolítico (ejercicios de lecto-escritura a través de los dispositivos de lectura y escucha “aparato fantasma” y “membrana resonadora” sobre posibles “formas de vinculación pedagógica con la diferencia” de Carlos Skliar), en una pretendida instancia de “germen”.
Proyecto final para completar la titulación del MIAC, Universidad Complutense de Madrid UCM (Bellas Artes) con el trabajo “Fosas/Roturaciones ¿QUÉ SENTIDO TIENE UNA PORCIÓN DE TIERRA –MÍNIMA/SIMBÓLICA- EN EL MUNDO?”. (Madrid)
María Fernanda Jaramillo y Mónica A Quijano.
Propuesta para parque escultórico PinArte, en convenio con Universidad Complutense de Madrid. Ayuntamiento Navas del Rey.
Máscaras resonantes. 2025
Propuesta de instalación multisensorial que establece una conexión simbólica entre el cielo y la tierra mediante cuatro piezas -máscaras- orientadas cardinalmente, y alineadas con la salida del sol en el equinoccio de primavera (hemisferio norte). La inclinación y forma de las máscaras está pensada para ser accesible tanto para los visitantes como también los elementos, los animales y la vegetación, y considera la escala humana para proponer un elemento interactivo a través de la capacidad resonante del material.
“Rehabi(li)tar la Voz en Clave de Humusidad y Crianza Mutua”. 2024
Con la voz como primera “casa de pensamiento”, “teoría en el barro” (Haraway 2016), y partiendo de la cuestión de la diferente valoración de lo doméstico e íntimo entre el norte y sur global -tradicionalmente percibidos como subordinados-, se propone una reflexión activa sobre las maneras justas de edificar la “casa” –económica erótica- (Dussel, 2007), acudiendo a las visiones de la crianza mutua –pensamiento amerindio, específicamente andino- y las reformulaciones especulativas desde la lengua, “el ser humano como humus”, habitar la humusidad –término acuñado por Rusten Hogness y Donna Haraway y recogido en “Staying with the Trouble”- (2016). Se trata esta cuestión desde y sobre el sentido amplio de este hogar terrestre, donde puede que sea necesario renombrar y repoblar la domus (así como la económica), y para ello quizá un primer potencial de accionar provenga de la activación de la misma palabra, su poder con-fabulador, su continua recreación de vínculos, muchas veces inéditos y en multitud de registros. Se exploran posibles relaciones y articulaciones (micro)políticas, pedagógicas, estéticas y afectivas que las artes (“del vivir y morir”) puedan intervenir e integrar en su práctica, bus-cando un punto de partida para fabricaciones responsables y situadas de economía estética, erótica, pedagógica, política y arqueológica, en consideraciones sobre el “trabajo liberador o servicio” (Dussel, 2007) en clave naturalcultural, integrada. En este sentido el trabajo se vuelca en las disidencias, empezando con la liberación de la voz, pensamiento y palabra, -no siempre escrita, las más de las veces inexpresable dese la visión canónica occidental-, el sentido de interpelar la óptica estigmatizante sobre los saberes privados y locales/ancestrales como inválidos frente al positivismo y los determinismos del conocimiento incorporado como dominante -cada vez más impensable-.
V Congreso Internacional en Arte Sostenible CIAS 2024 "Acercándonos a los ciudadanos". GRUPO DE INVESTIGACIÓN UCM 970903, Arte, Tecnología y Compromiso Social Madrid | 21, 22 y 23 de octubre 2024
Perfocraze International Artist Residency pIAR. 2024
Como parte de un co-laboratorio de "experiencias de proximidad y ruptura", estamos interesados tanto en espacios conflictivos y en mudanza, tanto como aquellos de hospitalidad. Como lo señala el lema de I.D “fronteras geográficas, perceptuales, culturales… ficciones”, nuestra práctica trata acerca de cuestionar los discursos establecidos como definitivos y explorar espacios divergentes tanto cognitivos como artísticos, para así conectar (cuerpo), manifestar (horizontes), movilizar (descolonialidad) y comunalizar (bordes) por medio de varios procesos enfocados en narrativas de reflexión creativa, germinación de contenidos y su diseminación. A pesar de todos los inconvenientes y restricciones de un periodo particularmente complejo en el tiempo (los efectos sociopolíticos de la "pandemia") hemos asumido el desafío de buscar maneras de continuar conectando, creando y compartiendo). Estudiamos y proponemos exploración sensible donde Ios vectores de la corporalidad, horizontes de sentido, historia, memoria y territorio -con sus diferentes y conflictivos sentidos y desbordes- nos permiten fabular y pensar maneras de pavimentar caminos de buen vivir, sanación, valoración propia y mutualidad que provoquen manifestación social y política por medio de las artes. Todo esto para la construcción de valores integradores socio-eco-etológicos y comunales desde lo que llamamos "el misterio de lo local". Para comenzar, buscamos participar activamente en la producción de contenidos cooperativos y espacios comunicacionales transversales, y la generación de "situaciones" localizadas, sean estas lúdicas, educativas, de señalamiento, propositivas o de resistencia. Nos basamos en la diversidad y la generatividad en términos de construcciones socio-discursivas, y la investigación de acciones prácticas y construcciones fácticas en cuanto a lo formal.
Invitación al programa de residencias artísticas auspiciadas por "crazinisT artisT studiO” (África), programa interdisciplinar para las artes ENLACE
Gretel Flóres (Quilmes), Mónica Quijano (Pasto). Proyecto multimedia. Captura de imagen generada en processing, activada por y proyectada sobre objetos. Dimensiones variables. TP Final Cátedra Multimedia, Especialización en Medios y tecnologías para la Producción Pictórica 2022-II Prof. Juan José Tirigall. UNA Sede las Heras, 13.12.2022
‘Sin un Otre no Soy Visible’. Cátedra Multimedia. 2022
Hay un espacio de la vivencia cotidiana que al ser medido y contado revela un lugar de y para el cuerpo. Tomamos esta oportunidad de poner en diálogo nuestros trabajos particulares, que a través del accionar creativo, técnico y poético definen nuestro proyecto y el proyecto mismo de la(s) historia(s) -no normativas- como entrelazamiento de labores y experiencias hiladas y comunicadas comunalmente. Siguiendo la trama de nuestra experiencia doméstica, familiar y local (en dos puntos distintos de la geografía latinoamericana (Quilmes, Provincia de Buenos Aires, Argentina) y Pasto, Nariño, Colombia) introducimos como pretexto un breve mensaje de color/tejido aleatorio sobre una prenda con su carga identitaria que nos atribuimos del imaginario materno -específicamente nuestras abuelas y la labor de cuidado que recibimos y compartimos con ellas-, queriendo poner en escena los hermanamientos y/o desencuentros de un primer contacto a través de la textura visual-textil y el tacto en la masa moldeable donde la aparición del espacio de color responde a la aparición del otro, sin el cual no se efectúa la “visibilidad” (referencia a la comunalidad de las prácticas domésticas que experimentamos en nuestros lugares de procedencia).
Salmo 121M. Videoacción. Grabación digital Color; mp4; 29,97fps; progressive; 192kbps; 48kHz; stereo. 1920 x 1080ip; duración en minutos y segundos: 00:03:45. Presentación virtual para el Taller Performance, del Cuerpo al Objeto, del Objeto al Sonido (Adrián Chait), y edición posterior para la asignatura Arte Audiovisual (Guillermo Jones), UNA, 2022 I y II respectivamente. Registro de performance y grabación de audio compuesta del sonido original del video de acción con espejos grabado en Chachagüí (municipio de Nariño), la voz de la abuela,una grabación tomada en el encuentro virtual de “Modos y Tecnologías Pictóricos” (profs. Perla Bajder y Mariana Felcman) durante el paro nacional en Colombia (2021), las “composiciones” colaborativas de audio efectuadas con los compañeros para los ejercicios del Taller “Performance Del Cuerpo al Objeto y del Objeto al Sonido” (prof. Adrián Chait, 2022), además de un Salmo bíblico que guarda un significado personal cantado por mamá, y que de manera accidental terminó nombrando un tema histórico colonial polémico (la confusión entre el hombre así llamado, y el estado de Israel), sin ser ese el sentido del Salmo -que me fue recitado por un anciano, señalando a los cerros bogotanos, una tarde de 2016.
Salmo 121M. 2022
Los elementos de referencia de este trabajo abarcaron la escritura beckettiana, e imágenes del inconsciente recuperadas en los formatos/montaje del recuerdo y de los sueños. La “luz plena” y reiterada en Fuera todo lo extraño, de donde sale el texto repetido en el audio de la pieza, es una de las metáforas que activan una narración rota, que quiere hablar de las dislocaciones entre realidades y muy particularmente la experiencia de los varios deterioros de la salud mental (y social). Beckett afirma que lo único que (nos) queda es horadar en el lenguaje de otro modo absurdo, que pensamos es una insistencia de la lengua, de todos modos; encapsulada como está en su orificio contenedor, proyectada desde cavidades que vienen y dan de lleno a las entrañas, es ella, maquinando signos en teclas y rayas y flujos contados (y cantados) sobre lo que no puede ser, porque no puede decirse (¿o si?). De órdenes de lo percibido y lo manifestado, entre lo imaginario, lo simbólico y nunca suficientemente distante/próximo de lo real, apenas intentamos desplazamientos en un sinfín de actualizaciones de esa zona de afectividad primera, esperando un real [Accarini 2020]. Horadamos, lo cual puede hacerse suficientemente bien en casi toda superficie -menos en el lenguaje- (ese mismo inconsciente o lugar inaccesible de habitación de la experiencia traumada)*; Beckett y sus movimientos recalcitrantes de palabra hicieron retorno del espacio del objeto íntimo perdido-vivido (y recuperado) en la re-presentación, manifestando la experiencia "traumada" del lenguaje.
Libro de artista del poemario "el otro, el mismo". 202. Muestra colectiva cátedra Tecnologías y Modos Pictóricos, profs. Perla Bajder y Mariana Felcman (UNA), a través de la plataforma de la Galería Buenos Aires Sur @galeriabuenosairessur. 18.08 2021.
Muestra virtual ‘el Otro, el Mismo’. 2021
Quise, bajo el influjo borgeano, iniciar la lectura de la metamorfosis de un modo dictado por la lucha entre el insomnio y el sueño, la obsesión y el tedio, la lengua y la palabra, el infierno y el cielo; no es ésta para nada una lucha de opuestos, sino de lugares de retorno para un olvido necesario, las más de las veces. Y bueno, sobre la tarea, había comentado al inicio de la cursada que iba a pintar un retrato “no visto” de Gregorio Samsa, idea que se me ocurrió hace años ya y para la que curiosamente llegó el momento sin proponérmelo. Pero pensaba cómo podría, al mismo tiempo que no retardar más su “lectura”, mantenerme fiel a ese raro propósito o tarea autoimpuesta. Entonces vino a mi mente como con frecuencia durante alguna vigilia de mayo que podía leer “la metamorfosis” en alemán -del cuál sólo reconozco más o menos bien la pronunciación-, por lo que empecé a narrarme en voz alta y con incierto tono las formas de ese retrato. No mucho después oyendo a Borges declamar (el) su Golem supe que este impulso de desciframiento fue un acto acorde con la relación que había deseado previamente con la obra y que la clase propuso establecer.
Plataforma I.D. Dispositivo asincrónico de intercambio, Exploratorio de Prácticas de Resistencia y Decolonialidad en Artes y Educación 2021
Lanzamiento de estrategias virtuales para el intercambio y comunicación de procesos artísticos y experiencias de creación alrededor de la performance en el "Exploratorio Prácticas de Resistencia y Decolonialidad en Artes y Educación” EXPLORA DECOLONIALIDAD, dentro de los dispositivos de intercambio virtual (mayo 31 a junio 06 2021). La presentación se centra en el desarrollo del panel 'Improbable Talks' que inaugura un proceso colectivo en conversaciones con creativos de distintos lugares del mundo (abril 11 a mayo 16 2021) y síntesis de las participaciones como invitados de pIAR (perfoCraze international Kumasi-Ghana) y los llamados de Mingas de Cuerpos (Colombia) en 2020 (febrero 26-28 y 20 de julio).
Proyecto colectivo I.D alojado en la plataforma del exploratorio, creado por grupo de investigación en arte y educación Universidad Nacional de Colombia Facultad de Artes.
ESPACIO DE DISCUSIÓN E INTERCAMBIO VIRTUAL. Socialización de experiencias creativas alrededor del mundo lanzada en 2021. "Charlas Improbables" contó con la participación de los apreciados Peter de Reuver (Países Bajos), Silvino González (Colombia), Allia Sadeghipour (Irán/Alemania), Sebastián López (Colombia), Richard James Hall (Reino Unido), Meghan Moe Beitiks (Estados Unidos de América), Caroline B Scheibel (Dinamarca), B. Ajay Sharma (India), Rocío Romero F. (Colombia), Cristian Pinzón (Colombia), Abdulnur Akyüz (Líbano/Turquía) y Mónica Quijano (Colombia).
I.D "Improbable Talks". 2021
Esta es la conclusión de las etapas preliminares de nuestro primer lanzamiento colectivo, donde el cuerpo, horizontes y modos de percibir, vivir y crear realidad y territorio son protagonistas. A pesar de todas las restricciones e inconvenientes de este particular periodo en el tiempo (una situación de pandemia que está lejos de terminarse y sus efectos socio-políticos) hemos aceptado el desafío de buscar maneras de continuar conectando, creando y compartiendo. En el panel de discusión final haremos un panorama a profundidad del proyecto que estará enfocado en las narrativas, desarrollo de contenido y circulación de la etapa 3 a partir de 2021-II.
Como colectivo interesado en crear y fortalecer lazos entre pares, apuntamos al desarrollo de estrategias que cuestionen y amplíen las perspectivas de las prácticas artísticas, experimentando con un rango de opciones entre colaboraciones virtuales, discusión y encuestas, buscando maneras creativas de implementar experiencias refrescantes, con una visión más amplia.
2° Encuentro Internacional de Mujeres que Luchan. 2019
Presentamos el proyecto que es el punto de inicio de una serie de trabajos performativos que envuelven un asunto sensible que caracterizala historia colombiana reciente: el "falso positivo". Este registro particular que hemos iniciado gira alrededor del paro nacional, queinició el 21 de noviembre de 2019, y es un trabajo colectivo y participativo independiente. Agradecemos a nuestras familias, amigos y losparticipantes espontáneos en este primer intento de reflexionar sobre el carácter político de la manifestación artística.
Colectivo I.D. Asistente.
CARACOL ZAPATISTA | Chiapas (México). 26-31.12 2019
Bertha Quijano. Trabajo de Grado en Literatura y Lengua Castellana.
Performance e instalación. Paraninfo Universidad de Nariño. Colaboración en el montaje para la performance, Ana G. Quijano, Sandra Eraso y Mónica Quijano.
Montaje 'Hidrografía espiritual'. 2019
La performance Hidrografía Espiritual (2019), además de ser una cita visual a Happy Days (Beckett, 1960), refiere al versículo de Juan 8:7: «—Aquel de ustedes que esté libre de pecado, que tire la primera piedra» [Reina-Valera 1960] como disparador y divergencia de las visiones reduccionistas del yo frente a la alteridad; a la entrada los asistentes podían recoger una piedra y asumir no sólo una participación (culposa, misericordiosa, enajenada, dolosa) sino un posicionamiento material y ético frente a una invitación que por regla parecería agresiva al implicar un violentamiento en acción u omisión, ya sea del yo o del otro oprimido. En una doble negatividad visual, donde el cuerpo está centrado y a una altura distinta sobre el nivel del suelo pero a la vez se halla “sepultado”, “ocultado”, ocurre una negatividad afectiva no necesariamente incompatible con la conciencia de la responsabilidad compartida, y formalmente el gesto mínimo, la materialidad iluminada que concentra la “economía de la atención” en un único foco, no como una obligación de mirar a un solo lado, o ajustar la percepción “fragmentada y dispersa”, sino como una actitud de interpelación indivisa al propio tedio, al agotamiento social. En una sociedad del espectáculo y la distracción, hay una necesidad imperiosa de sostener la Mirada, de algo, alguien. ¿Quién está en el centro, quién es el que mira, hay juicio, hay contemplación, hay solidaridad? En un punto intersticial, una brecha entre la indolencia, el entumecimiento de la mente dividida, y la vivacidad desafiante de los cuerpos concentrados, esta performance nos resulta un buen lugar de (des)encuentro y discusión entre las sorpresivas afinidades – visuales y en cierto modo enunciativas- de obras como las de Samuel Beckett y Lygia Pape.
"Zona de Recuperación". Laboratorio Cano 2. 2013
Zona de Recuperación se crea con el fin de generar un espacio donde el público interactúe con las diferentes instancias de exposición (planteamientos curatoriales, piezas, estudiantes expositores etc.). Es un lugar donde se promueve la reflexión y el sentido crítico ante los procesos y el espacio expositivo. La zona posee dos ejes de acción: primero, es un lugar en el que el público puede acceder a los documentos que han dado cuenta del desarrollo del Laboratorio, a través de una línea de tiempo, apuntes de los estudiantes y otros; en segundo lugar, es un espacio de residencia de estudiantes de artes plásticas de pregrado y posgrado, donde se formulan proyectos pensados para desarrollarse en el Museo y que involucrarán al público. La convocatoria-residencia está abierta a estudiantes de Artes plásticas de pregrado y posgrado de la Universidad Nacional y dirigida a prácticas artísticas que se cuestionen por el público, el espacio expositivo y la interacción.
Se eligieron seis propuestas y cada una contó con dos semanas para su realización; de tal manera que en las dos primeras semanas de la muestra se desarrollaron tres propuestas, en las dos siguientes otras tres y se cerró con un evento de socialización. Participaron colectivos de estudiantes y propuestas individuales muy diversas. Teniendo en cuenta el carácter de residencia se recibieron proyectos para ser ejecutados durante el tiempo de la exposición.
Curaduría de Vanessa Ardila, Snyder Moreno, Mónica Quijano. Apoyo logístico y procesos curatoriales en el diseño, montaje y realización de la exposición, con la propuesta colectiva “Zona de Recuperación”, proyecto educativo en la modalidad de “Prácticas Orientadas al Lugar” dictada por el curador Alejandro Burgos Bernal, con el apoyo del Museo de la Universidad Nacional de Colombia.
Artistas "en residencia": Valeria Montaña, “Encuesta – Estado del Arte”; Ana Lucía Romero, “Cuerpo y Museo”; César Valdés, “A-Parecer”; Red de Residencias Artísticas LOCAL.
Salida Estética del Arte y Pensamiento Latinoamericano. 2009
Fotos Ana G. Quijano. Cementerio de Manizales, salida de campo Filosofía del Arte/ Pensamiento Latinoamericano prof. Jaime Pineda. Universidad de Caldas, Manizales. 2009
